Aidée des précieux conseils de l’aquarelliste Richard Taylor, j’ai choisi, une fois de plus, un sujet d’architecture, aux formes et aux couleurs attrayantes, ça a donné ceci :

J’avoue être assez satisfaite du rendu final, ayant réussi à conserver une certaine luminosité sans pour autant tomber dans la fadeur et la platitude.

De même, l’équilibre entre suggestion et figuration me semble correct, compte-tenu du format (ça doit faire environ 35*45 cm).

Mais au-delà de cette analyse un peu froide et technique, je crois bien que je suis …

…

…

…

SUPER CONTENTE !!!!!!!!!!!!!!!!

Mais commençons par le commencement : cette photo, ou plutôt cette maison, qui n’a rien de très particulier, si ce n’est qu’elle m’inspirait. Entendez par là que j’avais envie d’en faire quelque chose sur un papier avec des crayons et des couleurs ^_^

Premier questionnement : quel cadrage, quelle composition choisir ?

Ne sachant trop quoi faire, et sentant qu’il était très périlleux de me lancer dans la réalisation finale sans avoir répondu à cette question, j’entrepris de faire quelques vignettes afin de tester mes idées.

N’ayant pas d’idées, ça a donné ceci :

Vous remarquerez que j’ai adroitement supprimé tout ce qui ne me plaisait pas (chaise, poubelle, arbre)
Malgré ces amputations, je n’étais pas du tout satisfaite de ce premier essai.

Après quelques jours de cogitation, j’ai trouvé pourquoi je n’étais pas satisfaite : je ne retrouvais pas, dans la vignette, ce qui me plaisait dans ce bâtiment.

Après encore quelques jours de cogitation (je ne fais pas que ça non plus), j’ai commencé à entrevoir ce qui me plaisait, ce que j’avais envie de mettre en image : la mise en valeur des matériaux, en l’occurrence le granit et l’ardoise. Dans la vignette, il y avait trop de verdure et le plan large ne me permettrait pas de mettre en avant les dits-matériaux.

J’essayais donc une deuxième vignette, sur la base de cette prise de conscience :

Exit la verdure (et la chaise, et la poubelle et les arbres), place à la pierre et à l’ardoise.

Le quadrillage m’ayant permis d’adapter le dessin à un format plus grand (36*50 cm), je suis passée à la mise en couleur, en gardant une idée assez précise de ce que je voulais obtenir.

Quelques heures plus tard …

Là, il va falloir cliquer pour profiter des détails. Et c’est bien là que réside mon insatisfaction : je n’ai pas réussi à m’adapter à l’agrandissement. Malgré mes efforts, j’ai traité l’image de la même façon, ou presque, que la vignette. Il en résulte un sentiment de manque de subtilité et de richesse dans les matériaux, alors que c’était là que résidait l’intention de départ.

(soupir)

Après quelques jours supplémentaires de cogitation et de farfouillage dans mes livres d’aquarelle préférés, j’ai fini par trouver d’où pouvait venir le problème : une simple question de technique.

En effet, j’ai utilisé de gros pinceaux, pour m’adapter au grand format. Or, qui dit gros pinceaux, dit grosse quantité d’eau et de peinture, qui finit par s’étaler sur une grande zone. Une fois ma grosse tâche de couleur posée sur le papier, j’ai beau y revenir avec un pinceau plus petit pour ajouter de la couleur plus dense par endroit, l’eau finit par tout diluer, tout étaler, gommant toute tentative d’enrichissement ou de subtilité.

En outre, je réalise mes mélanges sur la palette, mais l’eau déjà présente sur le papier finit par rendre toutes les teintes proches absolument similaires. C’est désespérément plat et sans grand intérêt.

Suite à cette prise de conscience matinale, j’ai entrepris de faire un petit essai pour vérifier ma théorie. Ca a donné ceci :

Là encore, il va falloir cliquer pour mieux voir et comprendre.

Tout d’abord, il faut savoir que j’ai travaillé à la même échelle que l’aqua précédente, et surtout avec les mêmes couleurs. Mais avec un pinceau plus petit. J’ai travaillé petite zone par petite zone, en prenant soin de ne pas étaler trop de liquide à la fois, en optant pour des couleurs pures et en laissant se mixer entre elles sur le papier et non dans la palette. Je trouve le résultat beaucoup plus attrayant, plus riche, plus intéressant, plus lumineux aussi et reflétant mieux ce que j’avais en tête.

J’ai peut-être un peu forcé le trait car j’ai « improvisé » pour le test, mais je pense que ma théorie est vérifiée : petit pinceau ne veut pas forcément dire surcharge de détail, petit pinceau permet de profiter pleinement des caractéristiques de l’eau et des pigments, ce qui est quand même le minimum quand on prétend utiliser l’aquarelle comme médium ^_^

Je ne souhaite pas refaire l’aquarelle définitive avec cette nouvelle technique, le sujet a perdu de sa fraicheur à mes yeux. Mais attendez-vous à du nouveau dans les prochaines aquarelles \o/

Alors, vite, vite, vite, je vous montre mes travaux les plus récents.

Commençons d’abord par ma première expérience de dessin de modèle vivant, à la Grande Chaumière. On parle souvent de cette « discipline », qui fascine, terrorise, fait couler beaucoup d’encre, est censée tout vous apprendre si vous la maitrisez, etc …
J’avoue que je n’ai pas ressenti de difficultés particulières. Attention, je n’ai pas dit que c’était facile … mais simplement que j’ai ressenti les mêmes difficultés que d’habitude, lorsque le modèle apparait sur un écran ou un bouquin.
La seule vraie difficulté, c’est de rester debout pendant 4h ^_^.

Si je tente un commentaire objectif, je dirais, sans surprise, que manquant de pratique du dessin anatomique, je n’ai pas une grande aisance à restituer correctement les proportions. Mais je sais qu’il suffit de pratiquer plus pour que ça vienne. Ce n’est pas un problème, juste une volonté de s’y mettre ou pas.

Non, MA vraie difficulté reste de déterminer ce qui me plait dans ce que je vois. Ce n’est pas un problème de technique, d’outils, de capacité manuelle ou d’observation, c’est bien une capacité à prendre conscience de ce qui m’attire, me plait et que j’ai envie de montrer, de partager. Tant que je n’ai pas cette conscience-là, je dessine en aveugle.

Ci-dessous les dessins que je juge les moins mauvais, mais qui me laissent le sentiment de n’avoir pas réussi à montrer quelque chose que j’aurais vu. Après tout, peut-être que je n’ai rien vu ce jour-là.
(pour les petits curieux, ces dessins couvrent des poses qui varient entre 5 et 30 mn)

Et voici le retour de la couleur ! On l’applaudit bien fort \o/

Là encore, gros travail pour tenter de déterminer « ce que j’y vois ».

On commence par une rue de Dinan.

Et on continue par le château dit de la Reine Blanche, situé au bord des étangs de Commelles dans l’Oise.
Pas facile de restituer cette aquarelle à l’écran, car le format est assez grand.

La suite, dans moins d’un an j’espère

Les personnages en question seront imprimés recto/verso et fixés sur un socle en carton, alternative peu onéreuse aux figurines plastique ou métal traditionnelles.

NB : les figurines définitives mesureront à peine 3 cm de haut °_°

Il y en a 10 en tout, mais s’agissant, d’une commande, je ne peux pas me permettre de tout montrer.

En voici donc une, avec le crayonné, et la mise en couleur (aquarelle et crayon de couleur).

Une façon (peu aimable je l’avoue) de me reprocher mon peu d’activité graphique des derniers mois. Et pourtant, ce n’est pas l’envie qui manque.

Seulement la musique est revenue avec force dans ma vie, et je m’y consacre beaucoup. Et par dessus-tout, je m’y consacre autrement que par le passé.

Depuis quelques semaines, je travaille avec le professeur qu’il me fallait, qui m’apprend à être musicienne, et pas seulement à jouer de la musique.

J’essaye de réinvestir ce qu’elle m’enseigne dans le dessin et l’aquarelle.

Bon d’accord, pour le moment, ça ne se voit pas beaucoup, mais patience, ça viendra.

Vous l’aurez donc compris, je n’ai rien à montrer, si ce n’est quelques clichés réalisés par mon époux. Voici donc ma harpe que j’apprivoise un peu plus chaque jour :

Et pour ceux qui auraient des doutes … si si, j’en joue vraiment ^_^

Ma harpe est entre mes mains, après un voyage de 400 km, bien emmitouflée dans sa housse de transport et attachée avec les ceintures de sécurité (parce qu’elle ne rentrait pas dans le coffre °_°)

Cette harpe a été fabriquée par le luthier Philippe Volant. C’est un travail remarquable de précision, et la harpe sonne tel que dans mon souvenir.

La décoration a été réalisée par le sculpteur Annick Le Goasteller. La conception des motifs, c’est mouah.

Pour une fois, je ne vais pas faire durer le suspens, voici quelques photos :

Vue d’ensemble sur la forme si élancée de cette harpe. Je suis vraiment en adoration de cette forme élégante et dynamique. Le couple console + colonne me fait penser à une proue de bâteau qui fend la mer.

Une vue de biais, on l’on voit la table d’harmonie, pièce maitresse de la harpe puisque c’est cette fine planche d’épicéa qui amplifie la vibration des cordes et est à l’origine du son.

Et voilà la partie décorée. Je rappelle que les sculptures ont été faite indépendamment de la harpe, puis collées et teintes, donnant ainsi l’impression qu’elles ont été sculptées sur l’instrument. Je suis vraiment très contente du résultat.

Quelques gros plans de mes dragons :

Là, il faut cliquer parce que l’image ne passe pas dans la largeur du blog ^_^

Voilà. Un pas de plus sur mon chemin.

Dans le Bridgman’s life drawing, au chapitre Mouldings, il est dit :

« Architectural mouldings consist of alternate rounds and hollows, of plane or curved surfaces, placed one beneath the other to give various decorative effects by means of light and shade »
Ce qui dans un français approximatif donne : « Les moulures architecturales sont composées d’une alternance de bosses et de creux, de surfaces planes ou courbes, placées l’une sous l’autre pour donner différents effets décoratifs à l’aide de l’ombre et de la lumière »

Appliqué au dessin anatomique, cela consiste à simplifier le corps humain en grandes masses courbes ou plates qui grâce à leur inclinaison par rapport à la source lumineuse, sont éclairées ou dans l’ombre. C’est encore une autre manière pragmatique d’appréhender la représentation d’un corps en volume, sans se prendre la tête °_°

Un petit exemple :

Et comme vous ne l’aurez pas remarqué, j’ai laissé l’épaule de côté (pas encore tout compris) pour étudier le bras.
Ben j’ai pas tout compris non plus -_-

Où l’on voit apparaitre une bouche ^_^

Les positions assises, c’est pas encore ça °_° Et puis, il y a des jours où on est moins en forme -_-

Pour les ombrages, Bridgman suggère de traiter le corps à la manière des moulures décoratives. Simple, mais efficace. Ca oblige surtout à penser le corps avant tout comme un volume, et c’est ça qui fait toute la différence.

Voilà, c’est tout pour aujourd’hui \o/

Quelques petites poses :

Des poses un peu plus travaillées, surtout Monsieur (qui ressemble un peu à un super héros, ^_^)

Et pour finir, j’abandonne le cou (me semble que j’ai compris comment ça fonctionne) pour m’attaquer à l’épaule.

C’est compliqué une épaule -_-

PS : J’ai commandé un squelette à Père Nowel \o/

A la faveur d’une envie de se retrouver, de discuter et de peindre, une petite séance de peinture s’est organisée gentiment, entre anciens élèves et le prof

Mais point de nature morte aussi baroque que farfelue cette fois-ci. Non, un sujet tout simple, nous

Au départ, le sujet proposé était le portrait. Un qui pose, deux qui peignent, en 20 mn, sans dessin préalable.

Bon, j’ai un peu changé les règles du jeu, parce que le portrait, ça ne m’attire pas trop, et je ne me sentais pas de le faire sans dessin. Par contre, la posture complète, ah ça oui ! Surtout qu’avec mes dessins anatomiques du moment, c’était un bon moyen de vérifier l’utilité du machin.

Le chrono branché, les pinceaux affutés, les couleurs bien en place, les yeux bien en face des trous, c’est parti !

Premier à poser : P.

Le dessin fut rapidement mis en place, mais loupé au niveau des jambes (j’ai coupé au montage ^_^)
Gros cafouillage avec l’aquarelle, qui ne séchait pas assez vite à mon goût. Euh, c’est court 20 mn …

Deuxième à entrer en piste : Ph.

Cette fois, j’ai soigné le dessin, mais du coup, j’ai à peine eu le temps d’esquisser les vêtements. Dommage, il était bien parti.

Troisième larron : moi, donc forcément, vous ne me verrez pas

Et enfin, le retour de P.

Cette fois j’ai pu aller un peu plus loin, mais 20 mn, ça reste trop court pour terminer. En tout cas, l’intéressé s’est reconnu.

Cette séance m’a fait beaucoup de bien, à plusieurs titres :

- déjà, c’est toujours agréable de passer un moment avec des gens qu’on aime bien;

- ensuite, j’ai pu mettre en application quelques apprentissages en anatomie;

- j’ai pu me rendre compte que malgré mes craintes, je suis arrivée à un résultat pas mauvais. Je ne pensais vraiment pas être capable de réaliser ce type d’exercices. J’ai réussi à ne pas trop rentrer dans les détails sans pour autant négliger la justesse du sujet.

- et pour finir, j’ai retrouver mon pinceau, mon papier, mes couleurs, j’aime toujours autant ça et je me suis sentie encore plus à l’aise que par le passé. Cette longue période d’abstinence a peut-être été bénéfique finalement.

A noter que les images ont été fortement réduites, chaque aquarelle tient dans un 30*40 cm. Il faut bien ça pour pouvoir tâtonner sans faire trop de dégâts.

C’est un exercice que je referai avec plaisir.

Et pour finir, les petits bonshommes du jour, qui se contorsionnent